¿Cuál es el signo adecuado para el arrepentimiento?
La mayoría de las veces no hay una respuesta clara de las preguntas de los pensamientos intrusivos, del tormento recurrente o de los malos ratos. El poema es un fragmento del dolor, pero con un granito de esperanza, porque el mundo no es blanco ni negro, solo una escala de grises.
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SER Y ESTAR FUERA DE LUGAR Casi todo en esta obra esta fuera de su sitio. Aunque sea por un momento, pero todo se sale de su lugar. Hay un periodista en escena que actúa, pero no es actor. Hay dos actrices que hablan en gran medida del fútbol y su corrupción, pero no son apasionadas ni expertas del tema, seguro tienen más preguntas que respuestas. Hay un actor y director que esta mas movido por los afectos y la identidad que por los datos o la información de una investigación periodística. Hay un público que espera ver una obra de teatro. Un grupo de espectadores que pagaron por que les cuenten una historia convencional, que les cuenten un cuento de manera tradicional, con personajes, ficción, y una estructura de presentación, conflicto, desenlace y conclusión, pero que en vez de eso es recibido y tratado como un grupo de invitados a una conversación o a un convivio. Donde incluso pueden beber cerveza que le regalan los artistas si así lo quiere. Hay una obra que está aconteciendo en una región del país donde es primordial mantener y cultivar como actividad identitaria el fútbol y sus implicaciones. Donde el amor por su equipo, su camiseta y su historia son parte de sus usos y costumbres. Donde para no rivalizar con el fútbol, productores y artistas dedicados al teatro suspenden funciones para ver los partidos “importantes”. Hay un tema en la obra que revela que, dentro de dicho club de fútbol, ese que da identidad hay manejos que se alejan de los presumidos valores comunitarios o colectivos que se pregonan paralelos a la identidad. Hay un texto que trasciende a su autor. Hay una obra que va más allá de las virtudes y las carencias de quien lo hace. Pero, sobre todo, de forma por demás extraña y significativa hay un grupo de teatro, un grupo de artistas, de personas sobre el escenario que no intentan aleccionar, no intentan adoctrinar no intentan asumir la postura de estar colocados en una zona de moral privilegiada que le haga suponer que pueden decirle al público que deben hacer o no. Hay un grupo de seres humanos que simplemente tienen el gozo de compartir la experiencia de lo que son, de sus afectos y de todas las dudas auténticas que eso les genera sin volverlo una oda personal. Hay teatro y está fuera del lugar común, un teatro que no da testimonio, ni sigue los protocolos del teatro sesudo, rebuscado, frió y documental. Pero por eso de manera, sencilla, cálida y concreta nos comparte un cuento escénico bastante disfrutable. Una narrativa y una acción que conmueve por su forma de acontecer, una acción que aparece por muchos lapsos como algo autentico y fugaz. Hay algo que se desborda muy sutilmente, es la ficción volviéndose realidad para luego recordarnos que toda realidad es un tipo de ficción cambiante y efímera.
Una gran paradoja: para actuar con verdad, primero hay que intentar dejar de actuar.
Testimonio reflexivo de la actriz Aideé Cervantes sobre su experiencia al asistir al taller de Técnica Meissner impartido por la maestra Janneth Villarreal. La autora transita de un concepto meramente técnico a una experiencia confrontativa que busca eliminar el artificio del intérprete. La premisa central es "vivir de verdad circunstancias imaginarias", entrenando la capacidad de escuchar y responder genuinamente al estímulo del compañero en el momento presente, en lugar de seguir planes mentales o ideas preconcebida.
Este texto no es una reseña ni una crítica: es un eco de la experiencia, una descarga emocional convertida en palabras tras presenciar una obra que tocó fibras profundas. Un texto que invoca al Caos y al Orden que transmutan en Balance y Desbalance. Dos conceptos que, bajo la ironía de los elementos que los componen, se vuelven dos sitios distintos en los que decidimos habitar o ignorar.
En el año 2024, la compañía de danza “Las Sangres” radicada en Xalapa y con más de 20 años de trabajo ininterrumpido, presentó la obra “OCRE: la línea ha muerto” en el premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga en su edición 2024 celebrados en la ciudad de Xalapa, Veracruz, México. La pieza resultó finalista en la contienda y resultó ganadora del premio a mejor musicalización. El presente texto se desprende de una entrevista realizada el 6 de febrero del 2025, donde los integrantes de la compañía compartieron lo concerniente a su proceso creativo para la creación de la obra. Es a través de sus testimonios que se construyó el presente texto.
Un romance de décadas: la poética de iluminar
En esta entrevista que tomó lugar el 11 de febrero del 2025, el maestro, director e iluminador Gerardo Valdez nos lleva en un viaje a través de la memoria donde, a partir de sus experiencias, nos ilustra en torno a la semiótica de la iluminación.
Este es un ejercicio de reflexión que nació a partir de contemplar un montaje de teatro llamado EL NUEVO OESTE. Dicho acontecimiento escénico abrió felizmente en mi mirada y en mi cuerpo, la pregunta por como eso que ES llega a ser lo que ES. El teatro entonces retomo para mi su posibilidad poética
Una obra que te invita a ser parte de la historia
Resulta irónico que con la remodelación del teatro fidel Velázquez se presentara una obra como Inter “M” Ezzo que retrata con su danza los recuerdos de un cinema fantasma. Con continuas referencias al cine de los 2000 esta pieza revive los recuerdos de toda una generación haciendo oda a la cultura pop del cine. Es Divertida, pícara por momentos mientas que a la vez trágica.
Tres momentos contextuales que dan sentido o intentan exponer aproximaciones al espacio liminal, ese que se dibuja en escena cuando el arte es abordado en los límites del cuerpo, en la materialidad del lenguaje, el arte y la cultura. Primero se hace un breve repaso por las postrimerías de los siglos XX y XXI con algunas manifestaciones artísticas que retaron las convencionalidades, en especial atención al Black Mountain College (BMC); después se continua con esta recuperación de momentos rupturistas pero en su modalidad de uso de tecnologías para hablar de los experimentos y resiliencia originados durante la pandemia y, por último, se presenta la herencia de todas las manifestaciones rupturistas del arte que encuentran su cauce en el trabajo polifónico de Alberto Villarreal.
Se explora el concepto de la propaganda, qué requisitos precisa su existencia y como estuvo presente en la arquitectura de los teatros y espacios escénicos de la antigua Roma, siendo una forma de transmitir ideales políticos a la población mediante el aspecto visual y los mensajes y significados ligados a cada detalle.
El cuerpo que aprende y significa en la escena
Este ensayo reflexiona sobre el cuerpo como sujeto de aprendizaje y el movimiento como productor de sentido en las artes escénicas, integrando aportes de la fenomenología, la cognición encarnada, la neurociencia y la pedagogía corporal. A partir de autores como Merleau-Ponty, Varela, Gardner, Craig, Laban y estudios sobre teatro-danza, se plantea que el aprendizaje escénico ocurre desde la experiencia corporal antes que desde la conceptualización verbal. Asimismo, se analizan las implicaciones docentes de esta perspectiva, destacando el papel de la interocepción, el sonido y el ritmo como organizadores del aprendizaje en la práctica pedagógica. Finalmente, el texto abre una reflexión sobre el espectador como participante activo del acontecimiento escénico, proponiendo la escena como un espacio de aprendizaje compartido donde intérprete y público construyen sentido desde la experiencia encarnada.
En este breve ensayo se plantea la 'buena violencia' como alternativa estética teatral, que busca el bienestar psicofísico a través de de teorías y prácticas, nacidas de estudios antropólogicos mexicanos y europeros, y propuestas por diversos autores del arte dancístico-teatral
Reconocerse en la escena migrante: Un dialogo entre semiótica y los actos de habla
En este ensayo se reflexiona sobre el teatro como un espacio de producción simbólica y performativa en contextos de migración, a partir del diálogo entre la semiótica social y la teoría de los actos de habla. El texto aborda la semiótica como una herramienta analítica que ayuda a comprender cómo los signos escénicos producen sentido, identidad y acción. Asimismo, se establece un dialogo entre el pensamiento semiológico de Roland Barthes, que considera la cultura y la escena como sistemas de significación social y los actos de habla, propuestos por John L. Austin, donde se analiza el lenguaje como una práctica performativa que describe la realidad mientras actúa en ella. Dichas nociones se aplican a la experiencia de la migración mexicana en la región del Ruhr, Alemania y se establecen propuestas escénicas para el teatro migrante latinoamericano.
La escena nacional en dos tiempos: 44 y 45 Muestra Nacional de Teatro
Las fotografías reunidas en este trabajo corresponden a las coberturas realizadas como fotógrafo oficial de la Coordinación Nacional de Teatro durante la 44 y 45 Muestra Nacional de Teatro. A través de una selección de imágenes de distintos montajes, el registro busca dar cuenta de la diversidad estética, corporal y narrativa de la escena teatral contemporánea en México, así como del carácter efímero del acontecimiento escénico y su permanencia a través de la imagen.